Heráclito, el filósofo griego pensaba que el principio fundamental del universo era el fuego, pero no en su sentido literal, veía en él una representación del eterno cambio que se encuentra en el universo. Panta rei -todo cambia-  fue la expresión que llegó a mi mente en el concierto de Als Eco , mientras trataba de encontrar una palabra que definiera mi visión de la música minimalista: el perpetuo movimiento.

 

Sólo unos minutos después del ingreso del público a la sala, llegó al escenario la primera formación de músicos. El concierto inició con Music in similar motion de Philip Glass. Inicia el órgano, crea un ambiente, y tímidamente los otros instrumentos se suman a la atmósfera que poco a poco crece y se hace más densa. Como dije antes, es el perpetuo movimiento, pasa el tiempo y nada es igual, todo fluye. Mercedes Sosa lo dijo, todo cambia.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Empezaron los aplausos del primer tema, las puertas del auditorio se abrieron y muchas –muchas- personas que habían llegado tarde, tal vez víctimas del tráfico, entraron ansiosas a la sala, se acomodaron en los pasillos, a los costados, en el piso… ¡todo por la buena música!

 

Sweet air del norteamericano David Lang continuó con la velada musical. Entraron los músicos vestidos con trajes de cirujano… aún me pregunto el por qué. Empezó la música y captó mi atención de inmediato, incomparable, tal vez nunca había escuchado algo semejante, fue sentir algo por primera vez. Poco a poco mi mente fue entrando en la pieza y llegó a mí la imagen de un tren a principios de siglo XX en la Sabana de Bogotá, tenía un aire a banda sonora de película de época. No sé si mi imagen tiene relación alguna con la intención original del compositor; pero creo que eso es lo más bello de la música, no hay una verdad absoluta, sólo interpretaciones.

 

“… en mi opinión la música es, por su propia esencia, impotente para expresar cualquier cosa: un sentimiento, una actitud, un estado psicológico, un fenómeno de la naturaleza, etc.” 1  Dijo en una ocasión Igor Stravinsky. Tal vez no soy tan radical como para afirmar lo anterior, pero hay ocasiones en las que siento que esta frase es la única verdad. Este fue el caso de XY, para percusión sola de Michael Gordon. No hay muchas palabras que decir. Incluso durante la pieza decidí que era preciso sólo escuchar –ni siquiera pensar- SÓLO escuchar. Esperar a que el mundo se detenga, perder el miedo a morir. Al final nadie se atrevía a parpadear, era necesario contener la respiración y dejar que esa tensión del silencio abandonara a la música. Lo mejor de la música es el silencio del final, no hay nada más molesto que el público eufórico que arruina el silencio.

 

Cuando los golpes de los tambores en medio de un mar de aplausos aún resonaban en mi cabeza, las luces se fueron y sólo dos líneas delgadas y azules quedaron en el centro del escenario iluminando dos atriles. Así surgió de la nada una nota en un clarinete, fue como el nacimiento del universo, el mito de la creación; incluso creí verla formarse delante de mis ojos. Sonidos sutiles que llenaban el espacio tomaban formas etéreas en mi mente. En este momento se sumó una flauta. Mis oídos se llenaban de armónicos con las frecuencias más agudas, estaba escuchando música ritual, el cielo bajó y las estrellas se formaron ante mis ojos, el resto del mundo se borró. Fue como volver a nacer en medio de la naturaleza. Pienso que fue la pieza más hermosa del recital. Si bien, no era una obra minimalista, fue un acierto total en el programa. Además, fue el único compositor latinoamericano de la noche, el mexicano Mario Lavista.

 

El fin se acercaba y llegó el turno para una obra para piano y cinta del holandés Jacob TV. Una pieza corta donde la pauta la dan las voces femeninas de la cinta – entre todo lo que decían, lo único que logré distinguir fue la palabra crack – pues de las alturas de las voces se deriva la partitura del piano. Fue un tema divertido que definí como un Ragtime de Cabaret.

 

Llegó la última obra del programa y los  músicos se subieron al escenario con overoles de trabajo, por supuesto, se disponían a interpretar Workers Union de Louis Andriessen. Los principales elementos de esta obra son el ritmo y el juego de registros. Es un diálogo de patrones rítmicos, unos dicen algo, otros responden. En honor al nombre de la pieza sentí la música como una voz de protesta; todos dicen lo mismo, pero al tiempo cada quien tiene un interés distinto que manifestar. La repetición de los patrones me sonó a la rutina y la monotonía del trabajo, y el esfuerzo físico de quien trabaja se veía en los rostros y actitudes de los músicos hacia el final de la pieza, el desgaste era evidente.

 

Este concierto fue memorable y aplaudo a cada uno de los músicos de Als Eco XL por no tener miedo de hablar y por difundir un género que gracias a ellos se está tomando con pasos firmes los principales escenarios bogotanos. Además el público tuvo la fortuna de hacer parta del estreno en Colombia de tres de las obras interpretadas: Sweet Air, XY y Workers Union.

Música es sinónimo de movimiento, del eterno cambio, del fluir del universo. En este concierto recordé que la música está hecha para detener el tiempo, para borrar el espacio, y crear uno nuevo en el que es necesario vivir cada insntante.

 

1 ROSS, Alex. 2009. El ruido eterno, escuchar al siglo XX a través de su música. Barcelona. Ed. Seix Barral S.A. Cap. III. Danza de la tierra. P. 145. Traducción Luis Gago 2009.

 

 

Als Eco XL

Flauta – Carlos Añez * Clarinete – Yesid Fonseca * Saxofón – Natalia Bustamante – Pablo Muñoz Barragán * violín – Alejandro Luengas * violonchelo – Osiris Lobo * contrabajo – Julián Sarmiento * guitarra – Alejandro Zuluaga * piano/teclado – Antonio Correa – Adriana Vásquez – Daniel Muñoz Barragán * percusión – Eduardo Caicedo